라이브 전시 «그가 달려왔다 he ran to»는 총 네 가지의 삶의 이야기 구조를 지닌 ‘전시형식의 극‘이자 ‘공간적 서사’로서 전시장 내 구분된 공간연출과 라이브 공연, 그리고 사운드 디자인을 통한 관객의 시지각적인 경험과 반응을 확장하고자하는 전시이다.

해당 서사는 한 인간의 삶의 고통과 기쁨, 회복, 축제에 이르는 삶의 지난한 여정을 소리와 빛, 에너지와 같이 추상적일지라도 언어와 시각을 넘어서는 힘을 지닌 일련의 장치들을 통해 소개한다.

총 세개의 층으로 구성된 갤러리 공간들 및 야외광장으로 이루어지는 전시는 각 층별로 구분된 주제, 1막 ‹광야에서 울부짖음›, 2막 ‹사랑의 조우›, 3막 ‹당신의 회복›, 4막 ‹내일을 위한 축제›에 이르는 총 4막의 서사를 기반으로 각기 다른 색채의 사운드 및 영상, 설치작품, 그리고 라이브 퍼포먼스를 선보인다.

"인간은 이야기하는 존재다. 우리의 삶은 서사적 탐색과도 같다. '나는 무엇을 해야 하는가?’라는 음에 답하려면 그전에 ‘나는 어떤 이야기의 일부인가?’ 에 대해 답할 수 있어야 한다. 궁극적으로 내가 속한 이야기와 하게 될 때 내 삶의 서사를 이해할 수 있다는 의미이다."

알래스데어 매킨타이어(Alasdair Macintyre)는 『덕의 상실(After Virtue)』(1981)이란 책을 통해 책에서 인간을 주의주의적으로 보는 시각의 대안으로 서사(narrative)라는 관념을 제시한다.

때문에 이러한 서사적인 가치에 대한 탐구를 담는 '라이브전시'라는 형태는 기존의 현대미술이 암묵적으로 추상적이고 개념적인 환경을 기반으로했기 때문에 관객과의 소통이 보편적으로 난해했던 크고 작은 경험에서 출발했다.

그 난해함은 하나의 특정한 작품이나 그 작품의 의도 혹은 내용에 대한것이기 보다는 그것들이 창작가의 필연적인 의도와 이를 둘러싸고 있는 다양하고 복합적인 측면이 관객들에게 무언의 소외감을 느끼게 하는 점에서 착안했다. 실상 이 소외라 불리는 지점은 '차이와 차이' 사이에 존재하는 공간을 말하는데 이 특정하게 단언 할수없는 ‘사이’는 하나의 가능성이 될 수도 있다고 생각한다. 그렇다면 창작의 주체와 이를 관람하는 관객과의 '공간적 간극'에서 하나의 이타적인 가능성이 될수있는 궁극적인 대화(Dialogue)는 어떻게 형성될 수 있을것인가?

라이브 전시 «그가 달려왔다 he ran to» 는 전시의 구조적인 형태, 접근, 관습에 대한 새로운 프레임으로서의 제안이며, 그 프레임 자체가 곧 공간의 내러티브, 서사로 공유된다. 궁극적으로 '나'의 이야기가 특별한 이유는 상대를 설득하려는 것이 아닌 내가 누구이고 왜 이러한 생각과 결심의 상태로 오게 되었는지 관한 삶의 경험을 나누고자 하는 의지이며, 이것이 상대의 또 다른 이야기와 연결되고, 대립하기도하며, 더 확장된 공감에 이르는 과정으로 진화하기 때문이다. 그 이야기는 우리의 삶에 지극히 평범한 것일지 모르나 그것이 독립적인 이야기로 표현되었을때 결과적으로 특별한 서사로 귀결될 수 있다고 본다.

그 도전의 일환으로 «그가 달려왔다 he ran to»전은 무형이지만 가장 강력한 경험이 될 수 있는 빛, 사운드, 퍼포먼스, 에너지 등 공감각적 반응을 도모할 수 있는 표현을 통해 관객과의 입체적인 감정의 교류를 목표로 한다. 뿐만 아니라 한 존재에 대한 삶의 이야기(내러티브)가 해당 전시공간을 통해 형성하는 공감대를 통해 동시대의 실제적인 가치(Value)를 탐색하고 이를 발견하는 관점에 대해 논해보고자 한다.

«he ran to» is a live performance in four scenes based on the story of four individuals’ lives. Presented in an exhibition setting, this performance not only presents a visual component but also enhances the audience experience through sound and light engineering.

Each scene tells the story of one human being’s life through the person’s pain, joy, restoration, and celebration. The celebration scene includes the final resolution of the pain that the artist experienced over the course of time. The highs and lows of the artist's’ life are expressed through words as well as through a sensory experience.

The scenes will take place in the three floors of the gallery and in the stage plaza. These are the four scenes: scene one, “Crying out in the Wilderness,” scene two, “Encountering Love,” scene three, “Your Restoration,” and the final scene “Celebration for Tomorrow.”

These four scenes are based on distinct performance styles. Life’s highs and lows will be expressed through sound, video, scenery, and live performances. Using unconventional means to express their experiences in life, the artist will communicate what he or she felt in those experiences, in order that the audience may relate to the artist.

The concept of “narrative” was drawn from Alasdair Macintyre‘s After Virtue. There are many principles of beliefs that one holds in life, many “ism”s, but there are limits to these perspectives. We often ask ourselves, why do people see matters the way that they do? Are their perspectives really applicable to our own lives? An alternative way to view life is through a narrative lens.

Human beings are storytelling beings. We live our lives as narrative quests. “I can only answer the question ‘What am I to do?’ if I can answer the prior question ‘Of what story or stories do I find myself a part?’” ··· “For I am never able to seek for the good or exercise the virtues only qua individual.” I can make sense of the narrative of my life only by coming to terms with the stories in which I find myself.
— reference from Sandel, Justice: What’s the Right Thing to Do?

Contemporary art, by definition, is an expression of abstract concepts through various artistic means. There are barriers that keep one from understanding certain concepts in contemporary art. This conclusion is not drawn from a particular artwork or artist, but rather agreed upon by the general audience. Maybe the complexity of contemporary art in itself is what can cause distance between the artist and the audience?

This exhibition is presented in a “live performance” concept in order to overcome the barrier for the general audience to understand and experience contemporary art. Live performance was birthed through this narrative concept so that the audience can tangibly understand and experience what the artist is expressing.

This barrier that exists between the general audience is not actually between the art or the artist that created it, but it can be in the complexity of the intended message that the artist tries to convey. The audience therefore can feel distant from “contemporary art.” This distance between the artist and audience can be a “space” or a platform for the artist and the audience to communicate.

Can the audience relate to the artist through their performance? Is it possible for the artist to dialogue with the audience?

«He Ran To» is a live exhibition, a presentation that is a non-traditional white cube form. The scenes in themselves are narrative stories shared within the space of the performance of the artist’s experiences.

The importance of understanding ‘my story’ lies in the following fact. As we ask ourselves who we are, why we think the way we do, and how we come to this point in our lives, we come to want to share our life experiences with others. At times, when we go through these questions, we get to see how one person’s life story closely relates to someone else. It can also become a time to confront and reflect upon ourselves. Although the experiences in each of our lives can often seem just ordinary, when they are expressed as a coherent narrative, each individual’s uniqueness is revealed.

라이브 전시 «그가 달려왔다 he ran to»의 제목은 탕자의 귀환이라는 성경의 서사에서 인용되었다. 이미 잘 알려진 이 이야기는 부잣집 주인의 둘째 아들이 집을 떠나 방탕한 삶을 보내고 빈털털이가 되어 초라한 모습으로 집으로 돌아왔을때 그 주인아버지가 달려와 아들에게 입을 맞추고 기쁘게 반기는 장면에서 기인한다. 여기서 주안점은 이 내용 자체보다 여기서 표현되는 "그"라는 존재에서 출발했다. "그"는 우리가 힘들고 지쳐서 갈 곳이 없을때 위안 받을수 있는 존재이고, 늘 내 집처럼 찾아가 쉴수있는 공간이며, 막막할지라도 새롭게 변화하고 싶은 의지에 힘을 실어 줄 수 있는 에너지로도 은유될수있다.

삶에서 인간의 희노애락을 다룰때 물리적이건, 정신적이건, 마음적인 상태나 특정 상황, 관계에 상관없이 삶의 여정은 끊임없이 반복되는 기쁨과 슬픔 그리고 기다림의 연속이다. 이러한 감정과 정서적 상태는 사회적으로 너무나 일반화되고, 제한된 표현의 범주에서 활용되어왔다. 때문에 그 일반화의 지점을 통찰하는 보다 섬세하고 구체적인 상태를 발견해보고자 한다.

구체적으로 살펴보면 이러한 감정의 섬세한 변화과정과 그것이 차후 미치는 영향은 삶의 아주 작은 이야기로 시작될지라도 한 이야기가 벌어지는 장면과 그 장면이 연출되어있는 공간, 그리고 볼 수 없어도 느낄 수 있는 공기의 온도, 에너지, 소리, 빛 등을 통해 경험될 수 있다.

궁극적으로 이번전시 «그가 달려왔다 he ran to»가 정의하는 라이브 전시는 일종의 일시적 미술이라고 할 수 있다. 이는 우리의 빈 곳에 있다가 금방 사라져버리는 것, 때문에 이 일시적 미술은 전통적 미술과 같이 물질성, 정착성, 영원성을 강조하지 않는다. 하지만 일시적 미술은 눈에서 금방 사라지기 때문에 우리의 기억에 다른 이야기로 오래 남게 되며, 그것이 관객에게 전달하는 강력한 표현과 가능성을 기대한다.

The title of this live exhibition «he ran to» comes from a narrative that could be found in the Bible; the prodigal son. This famous story is about a second son from a rich family who left his home and wandered, lived a dissolute life and came back home empty-handed. When he comes back home, his father runs to his son and kisses him and welcomes him back home.

The point of this exhibition is not the content of the story itself but the very existence of “him.” “He” can be portrayed as the one we can go to when we are tired and want to be comforted, a place of rest that we can visit anytime, an energy that could strengthen us when we want ourselves to be different.
When we observe human emotions, we realize that whether from physical, spiritual, or psychological reasons, the course of life is an endless cycle of joy, sadness and patience. These emotions and state of mind have been generalized and expressed in only limited ways.

The exhibition «He Ran To» can be thought of as a type of ephemeral art — an art that fills our surroundings but quickly fades away. Ephemeral art does not focus on its physicality, permanence, and eternity as in traditional art. Instead, it remains in our mind as a different story because the art disappears from our eyes so quickly.

When we take a deeper look, the subtle changes in emotions and its impact can start as a small story, but it can be experienced through the scene, space, temperature, energy, sound, and lights.

The live performance will run each week with one performance on weekdays and two performances on Saturday. For the performances on Saturdays, a four-act play will be performed for a duration of 45 minutes. The individual acts on each floor are 10 minutes long. From Tuesday through Friday each week, there will be a solo performance showcasing each participating artist’s unique interpretation. There also will be a talk with artist and curator sharing the different stages of creating these acts.

When there are no performances, there are exhibitions based on scenarios such as sounds, visual and space installations, which will invite the audience to participate in the exhibition as a complement to the live performances. The experience they get to have in the exhibition environment can be something each of them can later reflect upon, effectively creating a form of dialogue between them and the surroundings.

바리나모_무용가 및 참여 작가
‹바리나모›는 김바리와 나모가 공동작업을 기반으로, 연구하고 창작, 공연하는 예술듀오이다. 몸/움직임 연구와공연, 즉흥작업, 설치/영상작업을 통해 장르와 삶과 예술의 경계를 넘나드는 다양한 활동을 하고 있다. 2013 년부터 지속해 온 ‹풍경›작업을 기반으로 한국과 유럽 지역에서 활동하고 있다. 최근 작으로는 체코의 무용기관 SE.S.TA 에서 주최하는 ‹interdisciplinary incubator 2018› 참여, 포르투갈 리스본 소재 forum danca, ‹Jardim da Estrela 별의정원›, 그리고 인디아트홀 공에 열린 ‹변화의 변화들› 외 다수가 있다.

데오나_뮤지션 및 참여 작가
오래된 아일랜드어로 ‘사람’을 뜻하는 데오나(Daonna)는 사람이 느끼는 감정에 대해 노래하는 싱어송라이터이다. 데오나가 추구하는 감정적 교류를 통해 내가 누구인지를 알아가는것이 ‘사람’이라고 생각하며, 현 다수의 공연을 통해 사람의 감정을 나누고자 활동하고 있다. EP앨범 [Daonna]와 싱글앨범 [돌이켜보니 작은이야기]를 발매하였다.

경태현_음악감독 및 참여 작가
경태현은 한국에서 태어나 LA와 NYC에서 자랐다. 어린시절부터 재즈, 소울, 힙합 음악 아티스트 (Keith Jarrett, Erykah Badu, Jill Scott, The Roots, and Common)에 큰 영향을 받았으며 피아노, 첼로, 기타를 다루기 시작했다. 이후 음악치료사로 활동을 시작했고, 작곡,작사, 편곡을 이용해 마음과 정신이 아픈 사람들을 위한 일을 하며 음악이 주는 힐링에 대해 연구했다. 피아노 즉흥 연주를 주로 다루며, 현재 프로듀서로서 첫번째 앨범 ‘Relationship’을 준비중, 금년 말에 발매 예정이다.

홍승혜_무대 디자이너 및 참여 작가
1959년 서울에서 태어났다. 1982년 서울대학교 미술대학 회화과를 졸업한 후 도불, 1986년 파리 국립미술학교를 졸업했다. 1986년부터 현재까지20여 회의 개인전을 열었고 다수의 국내외 기획 단체전에 참여했다. 1997년 국제갤러리에서 열린 개인전 ‹유기적기하학›을 시작으로 컴퓨터 픽셀의 구축을 기반으로한 실재 공간의 운영에 깊은 관심을 보여왔다. 기하학적 도형에 움직임과 사운드를 도입한 영상작업으로 점차 그 영역을 확장하고 있다. 1997년 토탈미술상, 2007년 이중섭미술상을 수상했다. 현재 서울과학기술대학교 조형예술과 교수로 재직중이다.

옥기헌_디자이너
옥기헌은 서울을 기반으로 비쥬얼 아티스트로 활동하고 있으며, 페인팅, 그래픽아트, 애니메이션, 브랜드 디자인등 여러 시각영역의 작업들을 자신만의 다양한 작업스타일로 추구해왔다. 주요 개인전 및 그룹전 경력으로는 한국 벨기에 수교 110주년 젊은 작가회전_Gallery the Chai, 헤이리 2012 및 이태리 크레모나에서 열린 2009년 Korean Contemporary Artists(Cremona,ITALY) 등 다수가 있다. 그외에도 심규선의 '환상소곡집 EP.1', 힙합뮤지션 zzapa의 애니메이션 뮤직비디오 제작과 A.train의 B.I 디자인 및 커버디자인 작업이 있다.

박수련_영상 디자이너
영상 및 인디 애니메이션 감독인 박수련은 작품을 통해서 나를 발견하고 기쁨을 느끼며 생각을 온전히 전달 할 수 있다면 분야는 가리지 않는 전방위 미디어 작가이다. 전 게임 및 컨텐츠 디자인분야의 DOCOB MEDIA 이사로 재직했으며, 이후 2016년 AA Media설립, 컨텐츠 기획을 총괄했다. 영화 ‹The Forbidden Kingdom, 2008› VFX 작업에 참여했으며, 단편 애니메이션 ‘승’을 통해 인디애니페스트 입상 및 서울국제초단편영상제에 입상한 바 있다.

살렘 워십팀_참여 작가
살렘 워십팀은 아프리칸계 뮤지션들 및 보컬들로 이루어진 팀으로서 국내에 거주하는 대사관, 학생, 교수, 전문인력 등의 다양한 직업과 문화적 배경을 지닌 멤버들로 구성되어있다. 복을을 기반으로 하는 전통적인 아프리칸계 음악 부터, 소울, 알엔비, 가스펠, 스포큰워드 (일종의 시적으로 읇조리는 연설) 등 탁월한 감각과 실력으로 다수의 국제 페스티벌 및 연주회에 참여한바 있다.

Barinamo_Artist Duo, Improvisation Dancer
Based on the joint work of Kim Bari and Namo, Barinamo is a group that experiments and creates art. This group works beyond genre and reality, or boundaries of art through body/ movement research and performance, improvisation work, installation and video work. They approach the body through anatomy and express the body in different forms such as the body as a metaphor, movement of the embodied existence, state of expression through the conscious body, and find the reasons and ways to manifest it. In 2013, with the basis through the work of ‹Scenery›, they have actively worked in Korea and Europe. Main highlights of their work include participation in the Czech Republic’s dance organization SE.S.TA sponsored ‹Interdisciplinary Incubator 2018›, Garden of Stars (Forum Danca, Jardim da Estrela) in Lisbon, Spain, and ‹Changes of Changes› held in the Indi Art Hall, etc.

Daonna_Musician, Performing Artist
Daonna is a singer and songwriter. His name in Irish means “a person” seeking to express the emotions that people feel and through this allowing one to know one’s self. Through his performance and albums (“Daonna,” “Small stories from the past”), he wants to share human emotions.

Paul Kyung_Music Producer, Performing Artist
Paul was born in Korea, but grew up in L.A and N.Y. He was influenced by jazz, soul, and hip-hop music artists like Keith Jarret, Erykah Badu, Jill Scott, The Roots, and Common, which led him to learn how to play the piano, cello and guitar. Paul has been involved in music writing and editing to bring healing and encourage people through music. He has spent extensive time researching how music can be a channel of healing. Paul enjoys playing the piano and now works as a music producer for his first album ‘Relationship,’ which he hopes to release by the end of this year.

Salem Worship Team_Performing Artist
Since its beginning in 2011, Salem Worship has been participating in various worships, concerts, festivals, and events. Mostly young professional who is working and studying in Korea to contribute their gift of music. This team has been expressed dynamic forms of music including spoken words, R&B, rock n roll, and gospel.

Seung Hye Hong_Artist, Stage Designer
Seung Hye Hong moved to France and subsequently graduated from Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts. Since 1986, Hong has participated in more than 20 solo exhibitions and various special group exhibitions in Korea and abroad. Beginning from her solo exhibition Organic Geometry held at the Kukje Gallery, Seoul in 1997, Hong has been deeply interested in constructing real spaces based on the form of the computer pixel. The artist expands the range of her practice with video works that inject movement and sound into geometrical shapes. Hong was the recipient of the Total Art Prize in 1997 and the Lee Jung Seop Art Prize in 2007. She is currently a professor in the Department of Fine Arts, Seoul National University of Science and Technology.

Soo Ryun Park_Media Producer
Soo Ryun Park, is a director of video and indie animation. He is a full-fledged media writer who is capable of delivering the exact message that one desires to relay. He served as a director of DOCOB MEDIA in game and content designing, and then in 2016, he established AA Media. He participated in the movie ‹The Forbidden Kingdom, 2008› VFX, and won a prize for Indie Animation Festival and also from the Seoul International Short Film Festival.

Ki-heon Ok_Designer, Artist
Ki-heon is a visual artist based in Seoul. He expresses various visual works such as painting, graphic art, animation, and designing brands through own unique style. Major solo exhibitions and group exhibitions include “City of Non existing members.” At ”Gallery ON, “Sagan-Dong” in 2012 and 'Queen of the galaxy' in LIMBO, Communication & Combination Korea's 110th anniversary of diplomatic relations in Belgium the Chai, Heyri 2012 and the 2009 Korean Contemporary Artists (Cremona, ITALY) in Cremona, Italy. In addition, there is Shing Gyeong Sun's 'Fantasy Sonata EP.1', animation music video production of hip-hop musician “zzapa’s,” animation music video, along with designing of the cover page for A.Train B.I.

참여작가_홍승혜
참여공연자_경태현, 데오나, 바리나모, 살렘워십

기획 및 연출_전민경
프로젝트 코디네이터_유정인
디자인_옥기헌
영문 번역 및 감수_박재석
영상_박수련
사운드지원_송요셉
사진_윤정주

제작_더 그레잇 커미션
주최_돈의문박물관마을, 서울도시건축센터

Performers_Barinamo, Daonna, Iskander Kalimullin, Paul Kyung, Samuel WA Rusati, Sunday Sokoni
Artists_Seung Hye Hong

Curator_Zoe Chun(The Great Commission)
Project Coordinator_Jeong In Yoo
Designer_Kihun Ok
Photographer_Soo Ryun Park
Translation_Eugene Park

Production_The Great Commission
Host_Donuimun Museum Village